Blog em hibernação por tempo indeterminado.

Motivo: autor perdido no espaço.

Um espectador mais desavisado que fosse ver Closer -- Perto demais por causa do elenco, que inclui Julia "Uma linda mulher" Roberts, Jude "Capitão Sky" Law, Clive "Rei Arthur" Owen e Natalie "Princesa Amidala de Star Wars" Portman, talvez esperasse uma comédia romântica ou algo do gênero. Nada mais longe da realidade: trata-se de um dos filmes mais adultos e complexos sobre relacionamentos já realizado. Os diálogos de Patrick Marber, autor da peça original, são cruéis e desmistificadores, os protagonistas se comportam com uma sinceridade agressiva e cortante, o que paradoxalmente não significa que eles também não mintam para os outros e para si mesmos, às vezes até sobre suas próprias identidades. Não é à toa que tenho ouvido comentários de pessoas decepcionadas com o filme, talvez por que esperassem algo mais romântico ou menos cru. As pessoas não estão acostumadas a tanto realismo. A coisa mais próxima a Closer que eu lembro de ter visto são os dois filmes de Arnaldo Jabor sobre relacionamentos: Eu te amo e Eu sei que vou te amar. Só que Jabor ia um passo além ao incorporar os delírios de seus personagens ao relato, enquanto o filme de Mike Nichols, com toda a sua teatralidade e sua ênfase nos diálogos, chega a ser doloroso de tão realista.

So please be sweet, my chickadee
And when I kiss ya, just say to me
"It's delightful, it's delicious, it's delectable, it's delirious,
It's dilemma, it's de limit, it's deluxe, it's de-lovely"

 Birds do it,

bees do it

Even educated fleas do it

 Let's do it, let's fall in love

 Night and day, you are the one
Only you beneath the moon or under the sun
Whether near to me, or far
It's no matter darling where you are
I think of you
Day and night, night and day

Everytime we say goodbye, I die a little,

 Everytime we say goodbye, I wonder why a little,

Why the Gods above me, who must be in the know.

Think so little of me, they allow you to go.

 When you're near, there's such an air of spring about it,

 I can hear a lark somewhere, begin to sing about it,

There's no love song finer, but how strange the change from major to minor,

Everytime we say goodbye.

(Cole Porter - Everytime we say goodbye)

P.S.: Querem ler um texto lindo e comovente? Pois cliquem aqui e leiam o post de 12 de janeiro, intitulado A perda da garrafa importada.

Passar as férias na cidade onde crescemos tem suas vantagens e desvantagens. Morei em Santos dos 16 aos 24 anos, ou seja, a passagem de adolescente a adulto. Embora nunca tenha me desligado da cidade, já que meus pais continuam morando aqui até hoje, há ocasiões em que me sinto um velho andando pelas ruas da cidade, pois cada esquina, cada canto, cada paisagem traz inúmeras lembranças de um tempo que não volta mais. Geralmente são lembranças boas, mas às vezes a nostalgia de uma época em que tudo era novidade e a vida inteira estava ainda no horizonte é quase insuportável.

Estava mergulhado nesse estado de espírito, outro dia, quando fui ao shopping com a intenção de assistir um filme. Planejava ver um outro filme, um filme mais adulto, mas de tão mergulhado nas lembranças da adolescência resolvi que a melhor opção no caso era ver Meu tio matou um cara, um filme que trata exatamente desse universo.

Para quem ainda não sabe do que se trata, apesar de toda a divulgação que o filme de Jorge Furtado vem tendo, eis a história: Duca (Darlan Cunha) é um adolescente de classe média numa grande cidade brasileira que não é identificada mas que toma emprestados os cenários de Porto Alegre. Seria um garoto igual a tantos outros se não fosse o único aluno negro na escola em que estuda, o que às vezes provoca um racismo às avessas, como quando os colegas evitam xingá-lo de idiota para não parecerem racistas. Duca é apaixonado pela sua amiga de infância Isa (Sophia Reis, filha do ex-Titã Nando Reis, cuja linda canção Por onde andei está na trilha), a qual por sua vez é gamada no colega bonitão Kid (Renan Gioelli), o qual se mostra bastante interessado nas curvas da personagem de Deborah Secco. Até que um dia o tio de Duca, Éder (Lázaro Ramos), um cara meio atrapalhado que nunca deu certo em nada, aparece na casa do irmão (Ailton Graça) e da cunhada (Dira Paes) dizendo que matou o ex-marido de sua namorada Soraya (Deborah Secco). Enquanto vê o tio ser preso, Duca, um viciado em video-games de mistério, resolve investigar o crime com seus amigos Isa e Kid, por acreditar que o tio estaria na verdade assumindo um crime cometido por sua namorada.

A trama policial nada mais é que um pretexto para o diretor explorar os conflitos amorosos próprios da adolescência e assim atingir o público jovem. Nenhum demérito nisso: trata-se de um filme muito bem-feito, com uma trilha sonora ótima, a qual inclui, só pra variar, alguns covers de Caetano Veloso (uma canção dos Talking Heads e outra do compositor gaúcho Nei Lisboa), mas cujo ponto alto é a ótima Soraia queimada, do baiano Zéu Britto (que esteve no elenco da série Sexo frágil). Também tem o mérito de encaixar aqui e ali alguns comentários sociais, sem nunca cair no tom discursivo ou panfletário. No entanto, em contrapartida Meu tio matou um cara acaba se tornando um típico filme de verão -- leve e gostoso como um sorvete, e rapidamente esquecido.

Música é meu ar, filmes meu alimento, arte minha vida. Esse é o título deste blog, que eu batizei em inglês não para parecer chique ou deslumbrado, mas simplesmente porque sendo professor de inglês e me expressando nessa língua grande parte do tempo, ela acaba vindo naturalmente em algumas ocasiões.

De qualquer forma, raramente um filme encarnou de forma tão profunda o título deste blog quanto o franco-chinês Balzac e a costureirinha chinesa, que assisti recentemente em Santos num cinema de arte.

A história é a seguinte: durante os anos 70, a Revolução Cultural de Mao Tse Tung (que, como já disse Barbra Streisand, não era nem uma revolução nem cultural) condenou a trabalhos forçados no interior milhares de pessoas acusadas do terrível crime de serem burguesas e/ou intelectuais, e portanto traidoras do comunismo. O filme, baseado num livro autobiográfico do próprio diretor Dai Sijie, mostra dois jovens – Ma (He Liu) e Luo (Kun Chen) – sentenciados à “reeducação” por serem filhos de profissionais liberais: um médico e um dentista. Isolados numa pequena comunidade encravada nas montanhas, os dois garotos se apaixonam pela filha do velho alfaiate da aldeia (Zhijun Cong), que é chamada por eles apenas de “costureinha” (Xun Zhou). Como a garota não sabe ler e se expressa de maneira simplória, os rapazes tomam a si a tarefa de educá-la (no sentido tradicional, não no comunista), e para isso usam os livros proibidos que encontram na bagagem de outro reeducando. Entre esses autores “burgueses” estão clássicos como Tolstoi, Flaubert, Stendhal, Dumas, Victor Hugo, mas é a literatura de Balzac que encanta e seduz a costureirinha, ao ponto de provocar uma transformação na vida dela.

Não é a primeira vez que o cinema mostra a literatura abrindo mentes e transformando vidas – Sociedade dos Poetas Mortos, meu filme preferido de todos os tempos, e  O despertar de Rita são apenas dois exemplos que me vêm à cabeça agora. Mas a literatura não é a única arte homenageada neste filme. Há também a música: um dos garotos, Ma, toca violino e consegue salvar seu instrumento da fogueira ao tocar para aqueles simplórios camponeses uma melodia que ele identifica como “Mozart pensa no Camarada Mao”. Há o próprio cinema: os rapazes têm a tarefa de assistir filmes coreanos no cinema ao ar-livre de um vilarejo vizinho e depois contá-los aos camponeses. Há o teatro, pois as narrações de Luo não podem ser chamadas de outra forma, tornando-se mais interessantes que os próprios filmes que as originaram. E mesmo as roupas simples costuradas pelo velho alfaiate adquirem seu lado artístico quando ele se empolga com a leitura em voz alta que um dos garotos lhe faz de O conde de Monte-Cristo e passa a imprimir símbolos marinhos nas vestimentas de camponeses que nunca viram o mar.

Tudo isso e mais o belo visual do filme fazem de Balzac e a costureirinha chinesa uma festa para os olhos, a mente, a alma e o coração.

Filmes de cabeceira atualizado!

A galera do mal devia ser um filme obrigatório, a ser exibido em igrejas evangélicas.

Antes de prosseguir, deixa eu fazer uma ressalva para não cair no mesmo preconceito que eu quero condenar. Claro que nem todos os evangélicos são iguais: assim como nem todo muçulmano é terrorista como Osama Bin Laden, nem todo judeu é genocida como Ariel Sharon, nem todo católico é arqui-conservador como o Papa João Paulo II, nem todo evangélico é imbecil como o casal Garotinho, ridículo como a Bispa Sônia Hernandez ou perigoso como o presidente George W. Bush. Há evangélicos que vivem em paz com sua fé sem discriminar ou hostilizar aqueles que pensam diferente. Conheço alguns, inclusive em minha família.

Então, retificando: A galera do mal deveria ser um filme obrigatório a ser exibido para aqueles evangélicos intolerantes, aqueles que usam o nome de Deus para justificar toda sorte de arbitrariedade e preconceito contra aqueles que ousam cometer o pecado de ser humanos.

O maniqueísta nome brasileiro na verdade não traduz a ambiguidade do nome original, Saved! (salvo), que nada mais é que uma bem-feitinha comédia para adolescentes, mas com a originalidade de usar como cenário uma escola cristã para os chamados born again Christians, ou renascidos em Cristo. É nessa escola que estuda a garota Mary (Jena Malone), cristã desde os três anos de idade por escolha de sua mãe Lillian (Mary-Louise Parker). Mary nunca questionou sua fé, até que seu namorado Dean (Chad Faust) lhe confessa que tem dúvidas sobre sua sexualidade. Mary então entra em surto e tem uma visão de Jesus pedindo-lhe que "salve" o namorado. A garota decide cometer um pecado menor, ou seja, transar com Dean antes do casamento, a fim de evitar o pecado maior, que seria deixar o rapaz se tornar homossexual. Apesar do bravo "sacrifício" da garota, os pais do rapaz acabam por enviá-lo a uma espécie de reformatório para homossexuais, drogados e mães solteiras!

Para complicar as coisas, Mary engravida e decide esconder a gravidez da mãe, a qual tem um caso secreto com o pastor que dirige a escola (Martin Donovan), e das melhores amigas, com quem tem uma banda gospel, entre elas a insuportável Hilary Faye (a cantora Mandy Moore), uma provável candidata a futura Bispa Sônia. Seus aliados acabam sendo a ovelha-negra da escola, a judia Cassandra (Eva Amurri, filha de Susan Sarandon na vida real) e o deficiente Roland (o ex-menino-prodígio Macaulay Culkin), irmão de Hilary. Todas essas complicações fazem com que a garota entre no saudável processo de questionar aquilo em que foi levada a acreditar a vida toda.

A galera do mal não é um filme anti-religioso, não é nem mesmo ofensivo para aqueles que têm fé. É apenas um filme que prega a tolerância e o respeito às diferenças. Por isso, refazendo mais uma vez a frase inicial deste post, este filme deveria ser exibido, isso sim, em todas as escolas.

E para concluir, o melhor diálogo do filme:

A mãe: Quando Deus fecha uma porta, sempre abre uma janela.

A filha, rapidinho: É, pra gente pular dela.

Depois de tanto tempo sem escrever aqui, tenho vários assuntos acumulados para compartilhar. Mas vou começar pelo mais recente, afinal estamos na semana de Natal e falar de um filme natalino depois do Natal perde a graça.

Fui assistir O Expresso Polar para conferir as inovações técnicas tão comentadas. Trata-se de um estranho híbrido entre animação e filme com atores. O diretor Robert Zemeckis utilizou a técnica chamada de "motion capture", que consiste em capturar os movimentos de atores para utilizá-los na criação de personagens por computador, a mesma técnica usada para criar o personagem Gollum na trilogia O Senhor dos anéis. Mas Zemeckis capturou também as expressões faciais de seus atores, mudando assim o nome da técnica para "performance capture". É essa técnica que permite que Tom Hanks interprete nada menos do que seis personagens neste filme, incluindo o garoto protagonista.

No entanto, é preciso dizer que esse tour de force do oscarizado ator não trasnsmite necessariamente mais expressividade às figuras do desenho, que muitas vezes parecem tão inexpressivas quanto aqueles bonequinhos da antiga série Thunderbirds. Assim, o forte desse filme são as imagens deslumbrantes do trem em movimento, com movimentos de câmera de fazer cair o queixo e saltar os olhos.

A história: garoto que deixou de acreditar em Papai Noel é convidado a embarcar no Expresso Polar, trem que parte para o Pólo Norte a tempo de encontrar o bom velhinho antes que ele parta em seu trenó a distribuir presentes. A trama lembra um pouco o clássico A fantástica fábrica de chocolates, com sua mensagem moralista de premiar as crianças no final conforme seu desempenho durante a aventura.

Confesso que minha atitude diante de O Expresso Polar foi um tanto esquizofrênica. Explico: parte de mim se lembrou da criança que fui e que ainda se esconde em algum recanto oculto do meu ser. Essa criança adorava o Natal e se deliciava com as histórias em quadrinhos e os desenhos animados que se passavam nessa época, devido à Magia envolvida e àquele cenário de neve tão distante da nossa realidade, o que tornava tudo aquilo ainda mais encantador. Essa criança teria se deliciado com O Expresso Polar.

Já o meu Eu adulto, um homem cético e extremamente racional, se irritou um pouco com o proselitismo religioso embutido no filme. Sim, pois uma interpretação possível do filme é de que Papai Noel representa Deus, e a mensagem insistente durante todo o filme de que o garoto deve acreditar em Papai Noel sem questionar, nada mais é do que uma mensagem subliminar de conformismo e alienação.

Assim, se você, adulto, vai ou não se emocionar com este filme, depende do grau de comunicação que você mantém com sua criança interior. Descobri que a minha anda meio truncada.

E se depois de dizer tudo isso, os votos de um agnóstico que não acredita em Papai Noel significam algo para vocês, um Feliz Natal a todos!

Como mencionei no post em homenagem a Marlon Brando (08/07), quando assisti Superman - o filme, na ingenuidade da minha adolescência, não conseguia entender por que aqueles dois senhores, Marlon Brando e Gene Hackman, que interpretavam coadjuvantes, tinham seus nomes encabeçando o elenco antes do intérprete do herói, Christopher Reeve. Mas não importava: por mais talento que tivessem os dois monstros sagrados, quando Christopher entrava em cena eu não tinha olhos para mais ninguém. Fosse por trás dos óculos do tímido e apaixonado Clark Kent, fosse envergando seu patriótico uniforme azul-vermelho (já repararam como todos os super-heróis vestem as cores da bandeira americana?) e levando sua amada Lois Lane (Margot Kidder) para voar pelos céus de Manhattan (levante a mão quem nunca morreu de inveja da Lois naquela cena?!), Christopher Reeve era um delicioso colírio para os olhos.

Mas ele era mais, muito mais do que isso. Na mesma época em que fez os quatro filmes da série Superman, dos quais os dois últimos são descartáveis, mas os dois primeiros resistem ao tempo como exemplares da melhor safra de filmes sobre super-heróis, Christopher também participou do sucesso romântico Em algum lugar do passado, de dois filmes de época dirigidos por James Ivory -- Os Bostonians, onde disputava com a grande Vanessa Redgrave o amor de uma jovem (Madeleine Potter), e Vestígios do dia (este mais tarde), onde contracenava com Anthony Hopkins e Emma Thompson; e ainda do surpreendente thriller Armadilha mortal, onde interpretava o amante gay de Michael Caine, com quem trocava um beijo na boca! E este não foi o primeiro personagem gay de sua carreira, já que Reeve era ator de teatro antes de estourar no cinema, e numa de suas primeiras peças interpretou um veterano soldado do Vietnã que, apesar de suas medalhas, era discriminado por ser homossexual.

Aí aconteceu a tragédia que o deixou tetraplégico e Reeve mostrou um outro lado de sua personalidade - o de super-herói de verdade, um homem determinado a superar suas limitações e trabalhar por uma cura não só para si mesmo, mas para os milhões de deficientes que não têm a visibilidade que ele tinha. Com isso enfrentou até o presidente americano George W. Bush, ao defender publicamente o uso de células-tronco em pesquisas, contra a posição oficial do governo. O que mais me impressionou em sua história foi saber que, depois do acidente que quase o matou, Reeve considerou seriamente a eutanásia, mas foi dissuadido da idéia por sua mulher Dana, a qual lhe disse: "Qualquer que seja a sua decisão eu estarei ao seu lado, mas quero que você saiba que você ainda é você, e eu te amo." Daí o título de sua autobiografia ser Ainda sou eu.

Mesmo paralisado do pescoço para baixo, precisando de ajuda mecânica até para respirar, Christopher não abandonou sua carreira: trabalhou como ator em episódios das séries The Practice e Smallville, teve a ousadia de refilmar o clássico Janela Indiscreta no papel do protagonista e ainda dirigiu um belo filme chamado Armadilha selvagem (In the gloaming), com Glenn Close e Whoopi Goldberg no elenco, que conta a história de um jovem gay (Robert Sean Leonard) que está morrendo de Aids e tenta reatar seu relacionamento com a família.

Descanse em paz, meu querido super-homem, e aproveite para voar livre de todas as amarras.

Imagine ir ao cinema para assistir a um filme elogiado pela crítica, dirigido por um conceituado diretor e estrelado por alguém como Nicole Kidman, Julia Roberts ou Sharon Stone. Aí, passados vinte minutos de filme a heroína é violentamente assassinada e o resto do filme é levado pelo elenco coadjuvante. Estranho e surpreendente, chocante talvez? Pois foi isso mesmo que Alfred Hitchcock fez em Psicose, um filme que permanece como uma das maiores obras-primas da história do cinema, cuja estrela, Janet Leigh, faleceu essa semana.

Janet Leigh era uma estrela popular na época, casada com o igualmente popular Tony Curtis, com quem teve a filha Jamie Lee Curtis. Dizem que a cena do assassinato em Psicose foi um divisor de águas na história do cinema, não só pela ousadia do diretor em matar sua estrela logo no começo da história, mas também pela violência da cena em si, rodada em preto-e-branco para que o vermelho do sangue escorrendo pelo ralo da banheira não chocasse os espectadores mais sensíveis. Dizem, aliás, que o sangue cenográfico era chocolate...

Apesar dos mais de quarenta anos do filme, a cena do assassinato em Psicose permanece como uma referência na história do cinema. Janet viveu 77 anos, fez filmes importantes antes e depois de Psicose, inclusive A marca da maldade, de Orson Welles, e também escreveu livros, tanto autobiográficos quanto de ficção. Lembro-me de ter visto um romance dela, traduzido em português, sobre algo como a vida de uma estrela de Hollywood por trás da fama, mas não me pareceu interessante o suficiente para querer lê-lo. De qualquer forma, dificilmente estaria eu agora falando dela, ou teria a imprensa lhe dedicado tanto espaço, não fosse sua participação no genial filme de Hitchcock.

Uma questão interessante seria perguntar se qualquer outra atriz no mesmo papel teria tido o mesmo efeito. Certamente Hitchcock diria que sim, ele que acreditava mais no talento do diretor e do montador que na expressão do ator. Para dar um exemplo, o diretor inglês dizia que mesmo um grande ator como James Stewart dependia totalmente da montagem do filme: se ele aparecesse sorrindo e a cena seguinte fosse de uma criança brincando, o espectador acreditaria que James era um homem bom, que gostava de crianças. Porém, se depois do mesmo sorriso aparecesse uma mulher tomando banho, nua, a impressão do espectador em relação ao personagem seria totalmente diferente.

Seja como for, a "estrela" que Janet Leigh teria sido antes de Psicose há muito teria se apagado, se um Sol chamado Alfred Hitchcock não a tivesse iluminado para sempre. Janet Leigh, descanse em paz.

P.S.: Recadinho para quem se aventurar a ler os arquivos deste blog: por questão de limites de armazenamento de imagens, estou tendo de apagar imagens de posts mais antigos para que os novos possam continuar a aparecer devidamente ilustrados, e assim a história do Lost in the movies não se repita... Obrigado!

Fin (Peter Dinklage) é um homem extremamente solitário e introvertido, que detesta chamar a atenção, embora não consiga passar despercebido na multidão. Seu único amigo é Henry (Paul Benjamin), um aficcionado por trens que trabalha consertando trens de brinquedo, a quem Fin ajuda no trabalho e no hobby. Quando Henry vem a falecer repentinamente, deixa a Fin, de herança, uma velha estação de trem abandonada. Fin então se muda para lá, disposto a se isolar do mundo, mas as circunstâncias acabam levando-o a se envolver nas vidas de alguns de seus vizinhos, principalmente do falastrão dono de uma banquinha de cachorro-quente, Joe (Bobby Cannavale), e da deprimida e igualmente solitária Olivia (Patricia Clarkson). Ambos têm também seus problemas: Olivia perdeu um filho, Joe está vendo seu pai morrer aos poucos. Juntos, os três aprendem que nenhum homem é uma ilha.

Dito assim, pode parecer que O agente da estação é um filme melodramático e cheio de lições de moral. Nada mais longe da realidade: o diretor e roteirista Thomas McCarthy conduz seu relato de maneira tão contida e sutil que o espectador até se esquece que o protagonista é um anão (informação que omiti propositalmente do primeiro parágrafo deste post). Fin poderia ser qualquer um de nós, e pra falar a verdade minha identificação com ele foi total. Essa frase que usei aí em cima, "Nenhum homem é uma ilha", é algo que a gente aprende na escola e que pra maioria das pessoas é coisa tão óbvia que não merece nem discussão, mas para aqueles de nós que sofrem desse mal chamado introversão, aqueles de nós que têm extrema dificuldade em estabelecer contato com o outro, precisam praticar essa lição diariamente se não quiserem morrer de solidão. Nesse sentido, O agente da estação é uma ajuda e tanto.

Rei Arthur não é apenas mais uma refilmagem da manjada história já vista tantas vezes no cinema e na televisão. O filme dirigido pelo americano Antoine Fuqua tem vários méritos, sendo o mais evidente o de tentar mostrar uma versão mais histórica e menos lendária do mito. Aqui Arthur é na verdade Arturius (Clive Owen), um general romano responsável pela segurança na Bretanha dominada por Roma, que numa última missão antes de ser liberado do exército deve defender uma família protegida pelo Papa dos inimigos saxões. Para isso terá de juntar forças não só aos seus desmotivados cavaleiros da Távola Redonda, a essa altura resumidos a apenas seis, como também aos adversários Woads, rebeldes bretões liderados por Merlin (Stephen Dillane), aos quais pertence a brava guerreira Guinevere (Keira Knightley), cuja coragem e beleza vai mexer não só com Arthur mas também com seu mais fiel cavaleiro, Lancelot (Ioan Gruffudd).

Claro que no fundo tudo isso é apenas uma nova roupagem para contar uma mesma velha história. Um grande mérito do filme é não recorrer a astros manjados e sim a um elenco internacional e talentoso cujo único nome mais conhecido é o da inglesa Keira Knightley, famosa por seus papéis em Piratas do Caribe e Simplesmente amor, que no entanto aparenta ser frágil demais para uma mulher que guerreava em pé de igualdade com os brutamontes do filme.

Apesar dessa aposta no talento sobre a fama, o filme não foge de nenhum outro clichê de filmes do gênero: a música grandiloquente (capaz de fazer com que a trilha de Olga, por exemplo, pareça discreta e sutil por comparação), os diálogos previsíveis (coisas do tipo "Quero ver seu rosto bem de perto para poder matá-lo no campo de batalha!"), os velhos chavões que não convencem mais ninguém, como situar a ação naquele que seria o último dia de serviço dos cavaleiros, e um grande etc.

Nada disso atrapalha a diversão de assistir a mais um grande épico, que no entanto, com perdão do trocadilho, não vai fazer história.

Em Colateral, Tom Cruise interpreta Vincent, um assassino profissional que, durante uma madrugada, "contrata" os serviços de um desavisado motorista de táxi, Max (Jamie Foxx), para levá-lo aos cinco endereços de Los Angeles onde deve realizar seus serviços. Max é fã de música clássica e Vincent gosta tanto de jazz que é capaz de recitar a biografia de Miles Davis enquanto realiza um de seus "serviços". É feita aqui a mesma relação entre a música e a personalidade que em O talentoso Ripley, com a diferença de que isso aqui é dito com todas as letras pelo personagem de Cruise: "Você tem que aprender a improvisar, Max". E Max aprende, lógico, se quiser salvar sua pele. É como se o roteirista Stuart Beattie não confiasse na inteligência do espectador e quisesse entregar tudo mastigadinho, como aliás é a tendência no filme hollywoodiano em geral. Engraçado é ver a mesma crítica que recebeu tão mal o ótimo filme de Minghella estar agora elogiando tanto o thriller de Michael Mann.

Não é que Colateral seja um mau filme. Tem a melhor atuação de Tom Cruise desde Jerry Maguire, o que não é pouca coisa, considerando que o superastro tem uma grande tendência ao chamado overacting, aquela mania de certos atores de representarem sempre um tom acima do necessário. Aqui, ao contrário, Cruise está discreto e convincente como um assassino profissional, frio e cínico como convém ao seu métier. Com exceção do final do filme, onde por força do roteiro ele acaba virando uma espécie de Exterminador do futuro -- um robô quase indestrutível.

Todo o elenco está muito bem. Eu nem mesmo cheguei a reconhecer Jada Pinkett Smith, Mark Ruffalo e Javier Bardem antes dos créditos finais: ponto para Michael Mann, que se revela um ótimo diretor de atores. O problema é que o filme tem uma certa pretensão a ser o Taxi driver dos anos 2000, sem ter estofo para isso. Recheado de diálogos pseudo-filosóficos entre os dois protagonistas, Colateral é um bom filme de ação, que prende a atenção até o final, embora não traga nenhuma surpresa para quem já viu algum filme de suspense na vida. Se você não esperar nada além disso, vai se divertir bastante.

Ao fim de Olga, tive a mesma sensação que tive ao assistir Diários de motocicleta, filme que não cheguei a comentar aqui. Há uma enorme distância estética entre os dois filmes: enquanto o filme de Walter Salles prima pela elegância e pela sutileza que caracteriza toda a obra do diretor, Jayme Monjardim escolheu fazer de sua adaptação do livro de Fernando Morais sobre a revolucionária Olga Benario Prestes um melodrama. Um melodrama sem nenhuma conotação pejorativa, no sentido estético mesmo. Daí os abundantes closes, a trilha sonora onipresente e redundante, as intermináveis cenas de neve ou chuva caindo na janela. Para se gostar de Olga, é preciso aceitar essa opção estética do diretor e apreciar as qualidades que o filme tem: a qualidade técnica é perfeita, nem dá pra acreditar que todas as cenas do filme, sejam em Moscou, em Berlim ou em campos de concentração em pleno inverno, foram gravadas no Rio. A atuação de todo o elenco é impecável, e o roteiro de Rita Buzzar é extremamente fiel ao livro, o qual por sua vez é fiel aos fatos históricos.

E a história de Olga se presta mesmo a um tratamento de melodrama, afinal quantas mulheres tiveram a trajetória dela, de adolescente judia burguesa a revolucionária comunista treinada em Moscou a guarda-costas de Luis Carlos Prestes (Caco Ciocler no filme) a mãe do filho dele a prisioneira de campo de concentração nazista? Monjardim fez um filme pra chorar, e seria preciso ter um coração de pedra para não se comover com a cena em que a filha de Olga (Camila Morgado), ainda bebê, é tirada dos braços da mãe desesperada. Mas eu, que terminei de ler o livro um dia antes de ir ver o filme, chorei também ao ler a carta de Olga Benario, escrita por ela ao saber que seria enviada à câmara de gás, que é reproduzida no livro e no filme.

Mas a sensação a que eu me referi lá no começo é o sentimento de que tanto Olga Benario quanto Che Guevara (representado por Gael Garcia Bernal no filme de Waltinho), que viveram em épocas diferentes, têm em comum o fato de terem um sonho e acreditarem nele a ponto de sacrificar suas vidas por ele. Ambos sonharam com um mundo melhor, um mundo sem desigualdades sociais. Não vem ao caso aqui discutir se escolheram ou não o melhor caminho para realizar esse sonho; o fato é que morreram acreditando que um mundo melhor era possível.

E hoje, que sonhos podemos ter? O último sonho que minha geração tinha, a de ver um partido formado por trabalhadores ocupando o poder, um operário sentado na cadeira de presidente da República, se realizou -- e daí? O que mudou de lá pra cá? Não, me perdoem mas não sonho mais.

O que resta então? Resta a dignidade, a dignidade tão bem representada pelo olhar límpido de Camila Morgado nas últimas cenas do filme, e que por si só valem a ida ao cinema: um olhar carregado de dor e sofrimento, mas também de esperança e, principalmente, dignidade. A dignidade de alguém que sabe que vai morrer, e mesmo assim tem consciência de que sua luta valeu a pena, pelo simples fato de ter lutado pelo que acreditava.

How happy is the blameless vestal's lot!
The world forgetting, by the world forgot.
Eternal sunshine of the spotless mind!
Each pray'r accepted, and each wish resign'd . . .

(Alexander Pope, Eloisa to Abelard)